Jazz Queen Album

Armstrong war ein Meister seines Heimatstils, aber als er sich Hendersons Band anschloss, war er bereits ein Wegbereiter einer neuen Phase des Jazz, die den Schwerpunkt auf Arrangements und Solisten legte. Armstrongs Soli gingen weit über das Konzept der Themenimprovisation hinaus und basierten eher auf Akkorden als auf Melodien. Laut Schuller klangen die Soli von Armstrongs Bandkollegen im Vergleich dazu „steif, schwerfällig“, mit „ruckartigen Rhythmen und einer grauen, undifferenzierten Tonqualität“. Das folgende Beispiel zeigt einen kurzen Ausschnitt der geraden Melodie von „Mandy, Make Up Your Mind“ von George W. Meyer und Arthur Johnston im Vergleich zu Armstrongs Soloimprovisationen. Armstrongs Soli trugen wesentlich dazu bei, den Jazz zu einer echten Sprache des 20.

Zu den Schlüsselfiguren dieser Entwicklung, die größtenteils in New York angesiedelt waren, gehörten die Pianisten Thelonious Monk und Bud Powell, die Schlagzeuger Max Roach und Kenny Clarke, der Saxofonist Charlie Parker und der Trompeter Dizzy Gillespie. Als sich der Jazz in der ganzen Welt verbreitete, griff er auf nationale, regionale und lokale Musikkulturen zurück, aus denen verschiedene Stile hervorgingen. Der New-Orleans-Jazz entstand in den frühen 1910er Jahren und verband frühere Blasmusikmärsche, französische Quadrillen, Biguine, Ragtime und Blues mit kollektiver mehrstimmiger Improvisation. In den 1930er Jahren waren arrangierte, tanzorientierte Swing-Bigbands, der Kansas City Jazz (ein hart swingender, bluesiger, improvisierter Stil) und der Gypsy Jazz die wichtigsten Stilrichtungen. In den 1940er Jahren entstand der Bebop, der den Jazz von der tanzbaren Populärmusik zu einer anspruchsvolleren „Musikermusik“ machte, die in schnelleren Tempi gespielt wurde und mehr auf Akkorden basierende Improvisationen verwendete. Gegen Ende der 1940er Jahre entwickelte sich der Cool Jazz mit ruhigeren, sanfteren Klängen und langen, linearen melodischen Linien.

Der Jazzmusiker interpretiert eine Melodie auf individuelle Weise und spielt dieselbe Komposition nie zweimal. Je nach Stimmung des Interpreten, seiner Erfahrung und der Interaktion mit den Bandmitgliedern oder dem Publikum kann der Interpret Melodien, Harmonien und Taktarten ändern. Studenten, die Jazzkomposition als Hauptfach an der Manhattan School of Music studieren, haben mehrere einzigartige und besondere Möglichkeiten, ihre Kunst zu entwickeln. Obwohl die Jazz-Rock-Fusion in den 1970er Jahren den Höhepunkt ihrer Popularität erreichte, setzte sich die Verwendung von elektronischen Instrumenten und aus dem Rock stammenden musikalischen Elementen im Jazz in den 1990er und 2000er Jahren fort. Zu den Musikern, die diesen Ansatz verfolgten, gehören Pat Metheny, John Abercrombie, John Scofield und die schwedische Gruppe e.s.t. Seit Anfang der 1990er Jahre gab es in der elektronischen Musik erhebliche technische Verbesserungen, die das Genre populär machten und neue Möglichkeiten schufen.

Diese Trommeltradition unterschied sich von ihren karibischen Vorbildern und drückte eine ganz eigene afroamerikanische Sensibilität aus. „Die Snare- und Basstrommler spielten synkopische Kreuzrhythmen“, bemerkte der Schriftsteller Robert Palmer und spekulierte, dass „diese Tradition auf die zweite Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts zurückgehen muss, und sie hätte sich gar nicht erst entwickeln können, wenn es in der Kultur, die sie nährte, nicht ein Reservoir polyrhythmischer Raffinesse gegeben hätte“. Der Jazzband Wien entwickelte sich aus den afroamerikanischen Sklaven, die ihre einheimischen Musiktraditionen nicht pflegen konnten und das Bedürfnis hatten, eine eigene musikalische Ausdrucksform zu finden. Komponisten wie der brasilianische Mulatte José Maurício Nunes Garcia waren mit den musikalischen Fortschritten ihrer Zeit, die sich in Europa entwickelten, bestens vertraut und schrieben Musik in diesen Stilen und Traditionen. Amerikanische Sklaven hingegen waren nicht nur in ihren Arbeitsbedingungen und religiösen Gepflogenheiten eingeschränkt, sondern auch in ihren Freizeitaktivitäten, einschließlich des Musizierens. Obwohl Sklaven, die Instrumente wie Geige, Horn und Oboe spielten, in Städten wie Charleston, South Carolina, für ihre musikalischen Talente ausgebeutet wurden, waren dies Ausnahmen.

In den späten 1960er und frühen 1970er Jahren entwickelte sich die Hybridform der Jazz-Rock-Fusion, bei der Jazzimprovisation mit Rockrhythmen, elektrischen Instrumenten und dem stark verstärkten Bühnensound von Rockmusikern wie Jimi Hendrix und Frank Zappa kombiniert wurde. Jazz-Fusion verwendet häufig gemischte Metren, ungerade Taktarten, Synkopen, komplexe Akkorde und Harmonien. Die meisten großen Jazzmusiker von heute wurden auf informellem Wege groß und sammelten unschätzbare Erfahrungen an der Seite ihrer Helden.

Nichtsdestotrotz wirkte die Synkope im Jazz auf nicht-schwarze Zuhörer faszinierend und neuartig, da diese besondere Art der Synkope in der europäischen klassischen Musik nicht vorkam. Die Synkopen im Ragtime und Jazz waren in der Tat das Ergebnis der Reduktion und Vereinfachung der komplexen, vielschichtigen, polyrhythmischen und polymetrischen Strukturen, die in allen Arten westafrikanischer ritueller Tanz- und Ensemblemusik zu finden waren. Mit anderen Worten: Die früheren Akzentuierungen mehrerer vertikal konkurrierender Metren wurden drastisch auf synkopische Akzente vereinfacht. Aaron Copland, John Alden Carpenter – und sogar Igor Strawinsky, der dem Jazz verfallen war – fühlten sich von den instrumentalen Klängen und Klangfarben, den ungewöhnlichen Effekten und Beugungen des Jazzspiels und den Synkopen angezogen, wobei sie die extemporierten Aspekte des Jazz völlig ignorierten oder zumindest unterschätzten.

Jazzelemente wie Improvisation, rhythmische Komplexität und harmonische Strukturen wurden in das Genre eingeführt und hatten folglich einen großen Einfluss auf neue Hörer und hielten in gewisser Weise die Vielseitigkeit des Jazz für eine neuere Generation zugänglich, die nicht unbedingt etwas mit dem zu tun hat, was die Traditionalisten als echten Jazz bezeichnen. Künstler wie Squarepusher, Aphex Twin, Flying Lotus und Subgenres wie IDM, Drum ’n‘ Bass, Jungle und Techno nahmen viele dieser Elemente auf. Squarepusher wird als ein großer Einfluss für den Jazz-Schlagzeuger Mark Guiliana und den Pianisten Brad Mehldau genannt, was zeigt, dass die Wechselbeziehungen zwischen Jazz und elektronischer Musik in beide Richtungen gehen. Seit den 1990er Jahren zeichnet sich der Jazz durch einen Pluralismus aus, bei dem nicht ein einziger Stil dominiert, sondern eine breite Palette von Stilen und Genres beliebt ist. Einzelne Interpreten spielen oft in einer Vielzahl von Stilen, manchmal sogar in ein und derselben Aufführung. Der Pianist Brad Mehldau und The Bad Plus haben zeitgenössische Rockmusik im Kontext des traditionellen akustischen Jazz-Klaviertrios erforscht und instrumentale Jazzversionen von Songs von Rockmusikern aufgenommen.

John Storm Roberts stellt fest, dass die musikalische Gattung Habanera die USA zwanzig Jahre vor der Veröffentlichung des ersten Rag erreicht hat“. In dem Vierteljahrhundert, in dem sich der Cakewalk, der Ragtime und der Proto-Jazz herausbildeten, war die Habanera ein fester Bestandteil der afroamerikanischen Volksmusik. Als die männlichen Jazzmusiker während des Zweiten Weltkriegs eingezogen wurden, traten viele reine Frauenbands an ihre Stelle. Die 1937 gegründeten International Sweethearts of Rhythm waren eine populäre Band, die die erste rein weibliche integrierte Band in den USA und die erste, die mit der USO auf Europatournee 1945 ging. Ab den 1950er Jahren traten viele weibliche Jazz-Instrumentalisten in Erscheinung, von denen einige eine lange Karriere verfolgten.

Ein großer Teil dieses französischen Jazz war eine Kombination aus afroamerikanischem Jazz und den symphonischen Stilen, in denen französische Musiker gut ausgebildet waren; dabei ist die Inspiration durch Paul Whiteman leicht zu erkennen, denn auch sein Stil war eine Verschmelzung der beiden. Der belgische Gitarrist Django Reinhardt machte den Gypsy Jazz populär, eine Mischung aus amerikanischem Swing der 1930er Jahre, französischer Musette und osteuropäischer Folklore, die sich durch eine träge und verführerische Stimmung auszeichnet; die Hauptinstrumente waren Gitarre, Violine und Kontrabass. Die Soli gehen von einem Spieler zum anderen über, während Gitarre und Bass die Rhythmusgruppe bilden. Einige Forscher glauben, dass Eddie Lang und Joe Venuti die für das Genre charakteristische Gitarren-Violinen-Partnerschaft eingeführt haben, die nach Frankreich gebracht wurde, nachdem sie in den späten 1920er Jahren live oder auf Okeh Records zu hören gewesen waren. Einen bleibenden Einfluss haben die Blaskapellen von New Orleans, die mit ihren Bläsern die Welt des professionellen Jazz mit dem unverwechselbaren Klang der Stadt bereicherten und gleichzeitig schwarzen Kindern halfen, der Armut zu entkommen. Der Leiter der Camelia Brass Band aus New Orleans, D’Jalma Ganier, brachte Louis Armstrong das Trompetenspiel bei; Armstrong machte dann den New Orleans-Stil des Trompetenspiels populär und erweiterte ihn später.

Diese Arbeitslieder waren in der Regel um ein sich wiederholendes Ruf- und Antwortmuster herum strukturiert, aber der frühe Blues war auch improvisiert. Die Interpretation klassischer Musik wird eher nach ihrer Treue zur Partitur bewertet, wobei der Interpretation, Verzierung und Begleitung weniger Aufmerksamkeit geschenkt wird. Das Ziel des klassischen Interpreten ist es, die Komposition so zu spielen, wie sie geschrieben wurde. Im Gegensatz dazu zeichnet sich der Jazz häufig durch das Ergebnis von Interaktion und Zusammenarbeit aus, wobei weniger der Beitrag des Komponisten, sofern vorhanden, als vielmehr der des Interpreten im Vordergrund steht.